Zombies en la sopa

De un tiempo a esta parte no se le puede dar un puntapié a una piedra sin encontrar bajo ella una novela, un tebeo o una película de zombies. Los zombies son una de las últimas modas del género fantástico y parece que su popularidad ha trascendido las fronteras del horror para introducirse, por una puerta bastante grande, en el mainstream de la cultura pop. Con variantes más o menos originales, los muertos vivientes se han situado, de una forma u otra y repetidamente, entre los finalistas de los premios Hugo, entre las series de televisión más populares, y entre las superproducciones de cine más esperadas. También han infectado las grandes obras de la literatura universal, ¡e incluso han llegado a la filosofía de mano de Anagrama y Jorge Fernández Gonzalo en un ensayo  que, maldita sea, tiene todo a su favor para ser una lectura estupenda! ¿Por qué? ¿Como es posible? ¿Qué hemos hecho los sufridos lectores para merecer esto? Valga decir que ya van dos años seguidos en los que leo sendas novelas excelentes —Raising Stony Mayhall, de Daryl Gregory, y la maravillosa The Girl With All the Gifts, de M.J. Carey— centradas en la figura del muerto viviente, y que sigo con interés la serie de televisión de The Walking Dead, pero mi experiencia con el género Z está siendo una de cal tras una de arena: no creo que Los Caminantes de Carlos Sisí pase de ser entretenido (cosa que es y mucho) y el Red Zone de Macu Marrero, el próximo libro que aparecerá por la Biblioteca de Ilium, me parece una de las novelas más torpes que he leído en mucho tiempo. Y todo eso, me diréis, ¿a quién le importa? ¿No hemos venido aquí para hablar de La Chica Zombie? Stay with me, my friends…

Hace poco di con este artículo en Omnivoracious: “Why Zombies? A Defense of the Z Word”. Los principales puntos de la defensa del género Z propuestos por Robin A. Rothman, la autora del artículo, son (1) que los zombies no son personajes, sino parte del escenario, (2) que dan pie a la exploración de la ética del ser humano y (3) que cumplen, incluso, con una función como manuales de supervivencia ante una situación en la que los gobiernos pierden buena parte de su capacidad de reacción y el individuo se ve obligado a responsabilizarse de su propio destino (léase “catástrofe natural” y recupérense los vídeos sobre lo que sucedió en Nueva Orleans cuando llegó Katrina. El punto 3 me parece tan ridículo que ni siquiera lo voy a comentar (si no estáis de acuerdo decidlo en los comentarios y a ver donde lleva la discusión), mientras que la utilidad del punto 2 me parece casi nula por poco discriminante, pues lo mismo podría decirse de casi todos los grandes libros de la literatura y de muchos de los que no son tan grandes. El punto 1, en cambio, me da que pensar… me da que pensar que el género Z realmente no es para mí, pues si algo comparten los libros de zombies que me han gustado es que… los zombies NO son parte del escenario sino PERSONAJES. La otra posibilidad, claro, es que la articulista no haya sabido elegir bien el calibre de su armamento argumental y se haya fijado solo en detalles anecdóticos y, en el fondo, puramente cosméticos. Descartables por contraejemplo.

Ignoremos, por un momento, la absurdidad que representa defender un subgénero —Dejad que los libros se defiendan a si mismos. Que cada cual escriba y/o lea lo que quiera. Algunos libros serán buenos y otros serán malos— y hagamos un ejercicio de abstracción: ¿Cómo defender un subgénero basado en un detalle tan “material” como su inclusión en el argumento de un elemento X (donde X es igual a zombies, vampiros, corbatas de Snoopy o coches con matrícula acabada en 8, por decir algo)? Dejaré de lado, sin esnobismo, los argumentos de la familia de “es divertido”, demasiado inespecíficos para entender otra cosa que no sea la popularidad de ese grupo concreto de libros. Mi propuesta de trabajo es que el mejor argumento en torno al cual organizar esa defensa es el juego que dé X como metáfora. En este caso, el muerto viviente. Material de estudio: La Chica Zombie, de Laura Fernández. El libro de zombies menos Z del mercado.

Una inseguridad llena de gusanos

Todos ellos habían cogido un desvío.
Quizá un día, un día cualquiera, mientras rasgaban el sobre de azúcar ante una taza de café habían, simplemente (PLOF) desaparecido. Habían dejado de ser tipos aburridos y chicas tristes para ser ¿qué? El propietario de una tabacalera. Una cariñosa nutria. El genio de la lámpara. ¿Y eso les hacía más felices? Sí. ¿Por qué? Porque ponía el contador a cero. ¿Acaso no tenían algo que envidiar todas las absurdas contables de las compañías aseguradoras del mundo a las apacibles y en apariencia nada rencorosas nutrias? ¿Su despreocupación, quizá? Cuando eras una nutria lo único que te preocupaba era tener una trucha a mano.

Con ropaje de comedia negra de instituto, La Chica Zombie explica la historia de Erin Fancher, una adolescente que un mal día despierta aquejada de una extraña condición: está muerta. Y si a un adolescente más o menos adaptado a su entorno puede angustiarle una espinilla mal situada, ¿qué no le sucederá si todo su cuerpo empieza a cubrirse de llagas, gusanos necrófagos y la pestilencia propia de la materia orgánica en descomposición? Fernández sitúa la inseguridad de la adolescencia en el centro exacto de su novela y la convierte en una plaga que se extiende de personaje trastornado a personaje disfuncional en una espiral de irrealidad que culmina en un desenlace perfecto.

¿Es una novela juvenil? Sin duda contiene una, en el sentido que es una lectura que recomendaría a lectores adolescentes —se puede eliminar ese condicional: recomendarle el libro a adolescentes es un logro que ya he desbloqueado— por lo bien que refleja la ley de la jungla social en la que viven esos proyectos de persona, pero a una novela como esta le viene pequeña cualquier etiqueta genérica. Tras un disfraz de provocación fácil e histrionismo narrativo, La Chica Zombie oculta una sofisticación y un sentido del humor enormes. ¿Será “polla” la palabra más frecuente entre sus páginas? Posiblemente, casi siempre asociada a “chupar”, aunque quizás “puta” rivalice con ella… Y esa insistencia en recalcar todo —TODO— recurriendo a las itálicas y cortando (¡SNIP!) las frases con paréntesis onomatopéyicos y saltos de carro.

Muchos saltos (boing) de carro.

Muchos.

Es un milagro, y da fe de la habilidad de su autora, que toda esa… le llamaré artificialidad… artificialidad que inunda el texto se traduzca en frescura, y lo logra gracias al dominio del estilo que demuestra Laura Fernández. Mi sospecha indemostrable es que en manos de otro escritor La Chica Zombie se hubiera quedado en mera boutade, pero Fernández consigue esa naturalidad paradójica que solo la reescritura rigurosa puede conseguir. Nada sobra y nada está fuera de lugar en un libro que recuerda, en sus mejores momentos, al Vonnegut amante de sembrar sus textos de motivos y de referencias cruzadas entre sus libros. Huelga decir que, si bien Laura Fernández comparte con Vonnegut el mismo amor por la caricatura, sus retratos transmiten (al menos a mi) un amor por sus personajes libre de la falta de esperanza del autor estadounidense. No hay, en toda la novela, ningún personaje que no sea disfuncional, pero tampoco hay (casi) ninguno que no se redima en algún momento a través de algún gesto, que en algunos casos es una duda o un simple pensamiento, que le convierta con una sola pincelada en un ser humano digno de comprensión. Son estas pequeñas epifanías, más del lector que del personaje, las que me llevan a decir que el tema del libro es la inseguridad y no algún otro como la estupidez, o la hipocresía. Si el libro contiene una novela juvenil esta está en la historia de transición a la edad adulta que explica, aunque en cierto sentido el propio texto niega esa transición y sugiere que la edad del pavo no se cura con los años. Los adultos de la novela están igual de mal adaptados a su entorno, si no peor, que los adolescentes del instituto en el que transcurre casi toda la historia.

Llama la atención la ambientación elegida para la narración, una pequeña ciudad estadounidense ficticia y, sobretodo, su instituto. Es un entorno inventado, artificial, que le sienta bien al tono irreal que permea el texto, que te arrastra a su mundo como un sueño inescapable y te obliga a olvidar las reglas del universo en el que vives. En esto Laura Fernández repite la paradoja de su estilo: llega a la naturalidad a través de la impostura. El entorno se hace real al hacerse muy presente y se hace indisociable de la historia y de sus personajes.

La Chica Zombie se cuenta entre los mejores libros que he leído este año. No tengo más que elogios para él y se lo recomiendo sin ningún tipo de reserva a cualquier lector que aprecie el humor negro. No os lo perdáis y no dudéis que esta no será la última vez que los libros de Laura Fernández aparezcan por aquí.

Todo eso está muy bien, pero ¿qué pasa con los zombies?

Entonces, ¿es un libro de zombies o no es un libro de zombies? Bueno, sale uno… Lo que me gusta de La Chica Zombie es que agarra la idea de los muertos vivientes, destila la metáfora —una de las metáforas posibles, al menos— y tira todo lo demás a la basura. En este caso, por recuperar los puntos de Rothman, el zombie no es ni un personaje ni un elemento del escenario, es una idea. La ética del ser humano se explora hasta el punto de practicamente convertir el libro en una fábula y… probablemente enseña más sobre la supervivencia que todos los libros de epidemias de muertos vivientes escritos hasta la fecha, pero de supervivencia útil, de supervivencia emocional en la jungla social en la que vivimos. Es un libro con zombies, con un genio de la lámpara y con adultos que con un a capa de amarillo podrían pasar por personajes de los Simpson, y es también el libro de muertos vivientes más verosímil que he tenido el placer de leer. ¿Que qué pasa con los zombies? Que solo sirven de algo si vas más allá de la superficie, y que si vas más allá de la superficie la figura del zombie se transforma y deja de importar su envoltorio. Entender eso es la historia de la chica zombie.

Uno de objetivos lectores que me planteé para 2013 fue prestarle más atención a la literatura fantástica escrita originalmente en español. Empecé a leer en inglés para (a) mejorar mi nivel del mismo, (b) ahorrar (mucho) dinero y (c) estar más al día de las novedades y… al final me acostumbré tanto que ahora tiendo a huir de traducciones  —Pido disculpas a mis amigos traductores: No son ellos, soy yo— y he acabado sabiendo muy poco de lo que se escribe en español, ya sea desde España o desde Latinoamérica. Tengo algo más claro lo que se escribe en catalán, pero eso me resulta menos difícil porque la cantidad de novedades es más reducida. En resumen, que me parece una situación un poco perversa y —a pesar de los quebraderos de cabeza que me provoca la gestión de mi Pila de libros pendientes— decidí ponerle remedio. Un poco.

Y así llegué a Perturbaciones y a Prospectivas, los volúmenes que Salto de Página ha dedicado a los relatos de literatura fantástica y ciencia ficción, respectivamente, escrita en nuestro país (También han publicado Aquelarre, un volumen similar dedicado al relato de terror). Salto de Página tuvo a bien enviarme los dos primeros volúmenes y, leído Prospectivas y a falta de hacer lo mismo con Perturbaciones, me apetece mucho hacer una pequeña valoración que ya acumula un retraso mucho mayor de lo que me hubiera gustado. Vamos con Prospectivas, pues. Prescindiré del suspense y adelantaré que me ha dejado un regusto un tanto agridulce.

La introducción de Prospectivas

Prospectivas recoge una selección de dieciocho relatos presentados sin orden cronológico, con un prólogo de Fernando Ángel Moreno y una pequeña introducción para cada relato. Con la excepción de dos de ellos, inéditos hasta su aparición en el presente volumen, todos ellos habían sido publicados anteriormente entre 1981 y 2012 y existe un curioso hiato temporal entre el cuento más antiguo (Mein Führer, de Rafa Marín, publicado en 1981) y el siguiente (La Carretera, de Rodolfo Martínez publicado en en 1990) —¿qué le paso a la ciencia ficción española en esos nueve años? ¿Hay una generación perdida?—. Las 432 páginas del libro contienen relatos de autores que le resultarán familiares a cualquier lector que haya tenido al menos medio ojo puesto en la evolución del género en nuestro país, como César Mallorquí, Elia Barceló, León Arsenal, Rafa Marín, Juan Miguel Aguilera, Rodolfo Martínez, Eduardo Vaquerizo, Julián Díez, Santiago Eximeno… y otros que a mí (ya he mencionado mi falta de conocimiento de la actualidad del género en nuestro país, ¿verdad? Pues sirva como disculpa para cualquier susceptibilidad herida) me resultan menos familiares, como Manuel Vilas, Daniel Mares, Joaquín Revuelta, Juan Antonio Fernández Madrigal, Juan Jacinto Muñoz Rengel, Carlos Pavón, Roberto Bartual, Matías Candeira y José Ramón Vázquez. Sangre vieja y sangre nueva en una combinación interesante que se refleja en la enorme variedad de estilo y de temas que recogen los relatos seleccionados. En mi repaso al contenido del libro agruparé las narraciones en torno a una serie de características, pero ni son las únicas posibles, ni son excluyentes entre sí, ni creo que puedan contener la totalidad de la antología.

Fernando Ángel Moreno se refiere, en el prólogo, a siete elementos muy característicos de la ciencia ficción española, especialmente durante sus primeros años. Estos elementos, que me limitaré a mencionar, son: (1) la falta de personajes femeninos, (2) la ausencia de robots y extraterrestres, (3) el uso del humor como recurso, (4) la presencia de subtextos subversivos, (5) la falta de interés por las utopías, (6) el uso de referentes literarios clásicos y de recursos metaliterarios y (7) una obsesión con lo espiritual o religioso. Después de una primera lectura de la antología cabe hacerle una crítica menor —que el mismo prólogo reconoce de forma implícita— a una propuesta que parece reflejar con mayor acierto la evolución de la novela de ciencia ficción en español que la del relato. Aunque sí es posible detectar la presencia de algunos de estos elementos en varios de los relatos seleccionados, especialmente del humor y del espíritu subversivo. Otras características, como la falta de personajes femeninos o la ausencia de determinadas formas del género, me parecen más circunstanciales y, en cualquier caso, parecen estar cambiando en estos últimos años (lo cual, sobra decirlo, no le resta ningún valor a la propuesta de Fernando Ángel Moreno, interesada en resumir la historia del género y no su presente).

El prólogo es (demasiado) breve pero informativo y apunta la historia general del género en nuestro país, desde un inicio a finales del franquismo después del impacto que supuso leer, por traducidos por primera vez, a autores como Ursula K. Le Guin, Ray Bradbury o Robert Heinlein. Lo más sugerente del prólogo es su descripción del nacimiento humilde de la ciencia ficción en los arrabales de los bolsilibros y su posterior despliegue, durante la transición, con la llegada de las fotocopiadoras y la popularización de los fanzines, convertido en eclosión exhuberante con el advenimiento de internet y la facilidad de acceso, finalmente, a la totalidad del género. Como pasa siempre en este tipo de textos deja con ganas de más y es de agradecer la presencia de la bibliografía recomendada por Fernando Ángel en las notas a pie de página. Tal vez, por meterme en camisa de once varas, deje de lado un fenómeno que intuyo al que me referiré en la sección final de la reseña: la aparición, recientemente, de un grupo de autores que no proceden del fándom más “tradicional” o histórico, desconectado de sus tradiciones y de sus medios habituales. Probablemente sería exagerado hablar de un “segundo nacimiento” de la ciencia ficción, pero… el concepto me tienta. Aclaro que me refiero al prólogo y que la selección de relatos sí refleja este cambio. Aclaro, también, que no me refiero solo a la nueva generación de “extraños” a los que se ha referido Javier Calvo recientemente, sino también a autores con planteamientos más próximos a la ciencia ficción tradicional, como Miguel Santander o Cristina Jurado. Más allá de ejemplos más o menos acertados, lo que me llama la atención es la existencia de esta desconexión en la historia del género.

Impresiones de los relatos y características comunes

El volumen comienza con El Rebaño (1993), de César Mallorquí, para muchos el mejor cuento de ciencia ficción jamás escrito en castellano y uno de los mejores de la ciencia ficción. TODA la ciencia ficción… Ahí es nada… Leído con eso en mente ni el relato ni la prosa de Mallorquí están (no pueden estar) a la altura de las expectativas y no puede hacer más que defraudar, pero lo cierto es que se trata de un cuento potente con un párrafo final de impacto. El texto funcionaría mejor si el autor no hubiera cedido a la tentación de la antropomorfización y se acerca peligrosamente a la sensiblería con un tono de fábula moralizante que le resta parte de su frescura, pero no puede ser el mejor cuento de la ciencia ficción española cuando, para mí, ni siquiera es el mejor del volumen. Lo que me interesa destacar es el componente didáctico, o moralizante, del relato, uno de los ingredientes principales de otros relatos de la colección. No puedo dejar de pensar en Tren (2009), el intenso relato en el que Julián Díez recurre a los viajes en el tiempo y al atentado de Atocha en 2004 para reflexionar sobre el valor de la vida y el rol (¿carroñero?) de los medios de comunicación. El cuento es memorable porque Díez da con el tono, y el protagonista, perfectos y es capaz de conseguir varios niveles de lectura que van más allá de su intención moral. Lo mismo puede decirse de La Brigada Diógenes (2009), una distopía descorazonadora, descendiente directa del Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, que habla del rechazo de la sociedad a la vejez y se lee con creciente angustia. Es lo primero que leo de Muñoz Rengel y me ha parecido tremendo, uno de los puntos álgidos de la antología. El último de los relatos “moralizantes”, para mí, es el Últimas Páginas de una Autobiografía (2005) de Roberto Bartual, un cuento magnífico que puede aguantar mal el paso del tiempo por su estrecha vinculación a la producción artística de un período determinado. Se trata de una magnífica ucronía sobre la importancia del arte, la mierda del concepto de patria y el porqué hay que perseguir los sueños.

Otro de los elementos comunes de varios de los relatos de la antología es el sentido del humor, una de las siete características mencionadas en el prólogo. Está en el Mein Führer de Rafa Marín (1981), un cuento de viajes en el tiempo tremendamente divertido, con un gran control del estilo y al que solo puedo reprocharle que sabe a poco. Aparece de nuevo en La Carretera de Rodolfo Martínez (1990), un muy buen cuento que contiene fragmentos magníficos a pesar de ser algo irregular en su desarrollo y en su prosa; también en la ironía de Daniel Mares en Enseñando A Un Marciano (1995), una genial comedia estupenda que, inevitablemente, recuerda al Sin Noticias de Gurb de Eduardo Mendoza (por si a alguien le queda alguna duda: eso era un cumplido). De hecho, diría que la carga irónica de los relatos aumenta a medida que estos son más actuales y es el elemento principal de Arcan (2011), de Manuel Vilas, una gamberrada surrealista que tanto puede generar rechazo como seducir (es mi caso). Si es ciencia ficción lo es a duras penas, pero me he divertido tanto leyéndolo que no voy a ponerme muy pesado con ello.

También hay un grupo de cuentos que agruparía por su voluntad de evocar atmósferas o explorar  sentimientos concretos, más allá de tramas concretas. Entre ellos destaca un relato turbador de tranquila tristeza, Días de Otoño (2005) de Santiago Eximeno, sobre un señor que se aferra con todas sus fuerzas a su esperanza de un futuro mejor. Eximeno ha sido, quizás, uno de mis principales descubrimientos personales en la antología y un autor al que, sin duda, seguiré explorando. Otro de los autores que quiero conocer mejor es Matías Candeira, autor de un cuento brillante de resonancias kafkianas evidentes, El Extraño (2011). En el centro de este relato se encuentra el conflicto entre lo que queremos ser y lo que esperan los demás de nosotros, y Candeira trata el tema  —acercándose más a la fantasía que a la ciencia ficcion— con delicadeza en un cuento en el que la monstruosidad y la humanidad intercambian su lugar. Menos interesante me parece el planteamiento de Carlos Pavón en Poetik GmbH (1998), que saca buen partido de los recursos de la ciencia ficción hard en un estudio del resentimiento que flaquea a nivel narrativo. El último relato que incluyo en este grupo es Todo lo que un Hombre Puede Imaginar (2005), el homenaje de Juan Miguel Aguilera a un tipo de ciencia ficción optimista que persigue el sentido de la maravilla. Es un relato desigual que funciona mejor en su mitad “terrenal”, con una deliciosa atmósfera nostálgica de tintes victorianos, que en su parte fantástica. Vuela demasiado alto y no tiene aire que lo sustente, pero es difícil resistirse a su encanto.

El ingrediente principal de otro conjunto de relatos es su voluntad de estilo. No estoy sugiriendo que el estilo no sea un elemento importante del resto de textos, sino que en los de estos grupos el autor se propone escribir de una manera determinada y conseguir que el lector sea muy consciente de ello. Es el caso de relatos como Arcan (2011) de Manuel Vilas (sí, ya sé, ya he hablado de él), y de Patrick Hannahan y las Guerras Secretas (2012) de Eduardo Vaquerizo. Este último pertenece al subgénero de las historias secretas y Vaquerizo se alza triunfador con una historia que me recuerda a lo mejor de Neal Stephenson y de Greg Egan, que no es poco. En otros casos la voluntad de estilo se refleja más en su carácter imitativa, como sucede con Dragones en el centro (2003) de Joaquín Revuelta y Neo Tokio Blues (2012) de José Ramón Vázquez.  La propuesta de Joaquín Revuelta es una historia de viajes en el tiempo muy original que me ha seducido… y bien pueden ser imaginaciones mías… por su componente paródico. Me voy a permitir el lujo de enviar al incauto lector de esta entrada de excursión a la blogosfera: leed esto. ¿Ya? ¿Os habéis quedado con la frase “cansa leer tantos libros que parecen malas traducciones de libros en un mal inglés”? Es una afirmación con la simpatizo profundamente (“antipatizo” sería más exacto). Pues bien, pondría la mano en el fuego (figurativamente, no vayamos a tener una desgracia) en que Revuelta ha escrito su relato para que parezca una mala traducción de un libro en inglés, y lo hace con tanta deliberación y tanto estilo que le da la vuelta y su cuento… ¡Acaba siendo bueno!. Ahora, claro, si Joaquín Revuelta (a quien no tengo el gusto de conocer) me escribe un comentario y me dice que eso no es así y que malditas sean mis muelas no me quedará más remedio que tragarme mis palabras y decirme a mi mismo aquello de “nobody likes a smartass”. Asumo el riesgo. Neo Tokio Blues también es un homenaje, pero esta vez a los referentes estéticos y narrativos del anime japonés. Es puro argumento y funciona perfectamente, muy divertido.

Quedan por mencionar tres relatos de la antología que me cuesta relacionar entre sí o con los que ya he tratado. Uno de ellos es Besos de Alacrán (1994) de León Arsenal, un buen cuento al que tal vez se le pueda reprochar el tono algo distante que le impone al lector y, finalmente, los dos relatos que más me han decepcionado de todo el volumen: La Estrella (1991) de Elia Barceló, y El Olor Profundo de la Tierra (2004) de Juan Antonio Fernández Madrigal. He oído hablar mucho de Elia Barceló como uno de los mejores valores del género en español y ponerlo en duda porque no me ha gustado un relato estaría fuera de lugar, pero la verdad es que La Estrella mí no va más allá de una historia superficialmente bonita pero vacua. No he conectado con él y no tengo nada bueno que decir sobre él. El caso de El Olor Profundo de la Tierra es más complejo. Se trata de un relato lleno de buenas ideas que sugiere un mundo complejo y atractivo con solo dos pinceladas, pero despilfarra todo su potencial en una historia apresurada y distante que no proporciona ninguna gratificación para el lector. Fernández Madrigal no permite que su historia se despliegue y su texto se parece más al resumen de una novela que a un relato.

Conclusión, enlaces y dudas personales

Sin duda he disfrutado con esta antología. Me ha parecido un buena primera toma de contacto con la ciencia ficción que se escribe en España por más que el nivel de los relatos es desigual y esperaba un nivel global más elevado. Me ha costado plantear esta reseña e incluso ahora, a punto de darla por buena, me aquejan dudas sobre las opiniones que vierto en ella y sobre mi capacidad para valorarla como se merece. Como ya he mencionado forma parte de un propósito personal de hacerme una idea aceptable de lo que se escribe en el género en nuestro idioma (más allá de nacionalidades) y, por ello, agradeceré cualquier contribución vuestra en los comentarios o cualquier crítica a la reseña. Mientras leía la antología y durante el largo intervalo que me ha llevado a pensar y escribir este artículo he ido leyendo opiniones sobre Prospectiva en otros foros, además de otros artículos relacionados que hablaban de autores y temas relacionados. En ese sentido no puedo dejar de recomendaros que visitéis las reseñas de Prospectivas que han escrito Juan Manuel Santiago en Lecturalia y Elías Combarro en Sense of Wonder. Ellos hablan desde un conocimiento mayor que el mío y son algo menos prolijos y, por ende, pesados. Otro texto que me parece interesante, aunque no es una reseña y ha provocado algunas reacciones encontradas, el artículo de Javier Calvo en Jot Down. Será más o menos parcial, más o menos tendencioso, pero después de leer Prospectivas veo claro que se refiere a los autores de literatura fantástica de nuestro país que más me interesan a mí. Creo que también vale la pena recuperar la comparación que hizo Carlos García de uno de los títulos clásicos del género en nuestro país (Lágrimas de Luz, de Rafa Marín, publicada en 1984) y una novela breve escrita —en inglés, aunque para la cuestión de interés eso es anecdótico— en 2012 (Her Fingers, de Tamara Romero —reseñada también en La Biblioteca de Ilium—). En su texto, Carlos proponía que para los autores que empezaron a escribir ciencia ficción en los años de la transición supuso un lastre la falta de tradición y que, tal vez, autores contemporáneos con unos referentes más claros sepan sacar mayor partido de los recursos del género. Es una idea que concuerda hasta cierto punto con el énfasis de Javier Calvo en la aparición de una serie de autores que no orbitan en torno al fandom y beben de tradiciones que incluyen, pero no se limitan, a la fantastika. Concuerda también con mis impresiones sobre la evolución de los cuentos recogidos en Prospectivas, tal y como mencionaba en la introducción de este artículo. Cabe añadir que, al menos para mí, es una apreciación que no tiene relación con la calidad de los cuentos sino con su frescura y con la soltura con la que manejan los recursos del género. En cualquier caso, la existencia de un movimiento similar más allá de nuestras fronteras, con autores como Michael Chabon, Jennifer Egan o Cormac McCarthy, por mencionar algunos, obliga a ser prudente al tratar de buscar cualquier explicación en clave nacional y a enfocar el tema con una dosis sana de escepticismo.

No sé si la ciencia ficción española tiene un gran pasado, pero sospecho que tiene un futuro prometedor. Prospectivas es un volumen imprescindible para cualquiera interesado en el género escrito en nuestro país.

Un fantascopio es el instrumento que utilizan los fantascopistas para observar el género fantástico. Nadie lo ha visto, pero todos lo intuyen. Lo cierto es que se metamorfosea de acuerdo a la capacidad imaginativa de cada fantascopista.

Esta es la presentación de El Fantascopio, una página de Facebook recién nacida de las mentes de Elías Combarro (Sense of Wonder), Alberto Fernández Olmedo (@A_pHOBOS), Félix García (El Almohadón de Plumas), Cristina Jurado (Más Ficción Que Ciencia), Fernando Martínez Gimeno (Deprisa, Deprisa), Josep María Oriol (Voracilector), Pedro Román (Leemaslibros) y yo mismo, Miquel Codony.

Nuestro objetivo es crear una plataforma que favorezca el diálogo en torno a la literatura fantástica, en sentido amplio, y facilite el compartir los muchos contenidos que, día a día, aparecen por la blogosfera. Aunque nuestros blogs estarán muy presentes en El Fantascopio, nuestra intención es que vaya más allá de ellos y que todo aquel dispuesto a compartir y debatir se encuentre cómodo en este espacio.

Os invitamos a que entréis, busquéis un buen sitio, disfrutéis y participéis. Y no os olvidéis de echarle un vistazo al magnífico banner que Alejandro Colucci nos ha prestado para inagurar el invento.

¡Bienvenidos!

Hoy le abro las puertas de la biblioteca a un buen compañero. Nada me gustaría más que poder suscribirme al feed de su propio blog, pero tenerle como reseñador invitado es la segunda mejor opción. Os presento a @A_pHOBOS y espero que tengáis el placer de volver a leerle por aquí a menudo. Ya lo sabes, Alberto: ¡Aquí siempre serás bienvenido!

Hoy nos presenta una colección de relatos de ciencia ficción del autor Ronald Delgado.

Anómala de Ronald Delgado

Reseña de A.F. Olmedo

Anómala de Ronald Delgado es una colección de relatos de ciencia ficción, y siendo el autor un físico experto en inteligencia artificial se puede pensar que sería de la dura. Es más, títulos como D1O.S. o Código Fuente pueden ayudar al despiste, pero no es el caso. Los relatos, de la nueva colección del autor publicada por Alfa Eridiani, descansan sobre los conflictos filosóficos o morales que surgen ante el choque, cada día más común, de la tecnología y el ser humano. Según el propio autor, y por poner un apellido a la ciencia ficción que nos presenta, hablamos de cyberpunk. Pero un cyberpunk renovado, donde cala la sensación de “futuro cercano” que nos trasladan las realidades que desarrolla Delgado. Anómala destaca por la calidad y el oficio, deslucido por alguna iteración con ciertas expresiones, dando sensación de no ser un texto trabajado como conjunto pero sí individualmente.

Comienza con una introducción de Armando José Sequera sobre el autor y su obra. El formato de entrevista se agradece como variación sobre la típica nota introductoria. El propio Armando José nos indica la característica común de todos los relatos, lo cual comparto plenamente:
“Los cuentos de Ronald Delgado se mueven sobre un trasfondo crítico. Una crítica no a la tecnología, que es neutra, sino a los usos impropios que se le dan en nuestro tiempo y, posiblemente, en el que vendrá”

Compuesto por 8 relatos, el primero Ningyö actúa a modo de portada de toda la colección y surge como un esbozo del segundo relato y en conjunto funcionan muy bien. Kyoko Blue (Premio Andrómeda de Ficción Especulativa 2011) destaca por su calidad y nos acerca a un mundo de prostitución de lujo basado en muñecas mecánicas. La influencia japonesa es clara, tanto por la estética otaku como por la referencia a los autómatas Karakuri. En Se imprimen recuerdos el autor juega con la percepción de lo que es real o no y como afecta esto a los recuerdos. Delgado también aborda la percepción junto con la singularidad en Sexagésimo tercer sentido, presentándonos al Dr. Raymond y sus increíbles capacidades, con un relato entretenido. El más distópico de la colección es D1O.S., retratando una sociedad donde al nacer te implantan un interfaz para interactuar con una realidad distorsionada por la propia tecnología. Es uno de los tres relatos más destacables de la colección junto con KyoKo Blue y el que da título a la colección. En Anómala, Delgado trata algo tan actual como el derecho al olvido en la redes de información, nos acerca al trabajo de unos agentes dedicados a detectar anomalías en la huella virtual de cada uno. El relato que menos me ha gustado de la colección es Código Fuente, una historia algo lisérgica sobre drogas tecnológicas. Cierra la colección Las letras del analfabeta, un relato que vuelve a tocar la distopía generada por la posibilidad de valorar y vender los conocimientos adquiridos.

Ronald Delgado es Licenciado en física por la Universidad Central de Venezuela y especialista en inteligencia artificial. Ha publicado los libros de relatos El despertar de Meganet (Alfa Eridiani, España 2008), Réplica (Fondo Editorial del Caribe, Venezuela 2011) y La tierra del cielo sin sol (edición digital independiente, 2012).

Tal vez porque en La Biblioteca de Ilium escribo casi únicamente reseñas, confieso que estoy disfrutando el cambio de chip que supone adaptarme a los objetivos de un blog como RBA Literatura Fantástica. Más allá del objetivo, obvio, de difundir la colección a través del blog, estoy tratando (con el respaldo y la ayuda imprescindibles del personal de RBA, por supuesto, aunque aquí hable en primera persona) de convertirlo en una plataforma de divulgación del género fantástico que tenga interés por si mismo. El tiempo y los lectores dirán si se consigue el objetivo, pero os animo a visitar RBA Literatura Fantástica y a dejar vuestros comentarios.

Lo último que he escrito en Literatura Fantástica ha sido una especie de dossier o guía de lectura de la última novela publicada en la colección: Osama, de Lavie Tidhar. Se trata de una novela con mucha personalidad que me ha hecho disfrutar enormemente y ya adelanto que este año estará en mis nominaciones a los premios Hugo. De mis otras nominaciones a los premios espero hablar pronto aquí, pero de momento os invito a leer el artículo Osama, la original propuesta de Lavie Tidhar y a comentar como si lo hubiera escrito aquí. No es una reseña, aunque creo que mi entusiasmo queda claro. Conflicto de intereses be damned.

En cuanto a La Biblioteca de Ilium, os puedo dar un pequeño avance de algunos libros que he leído, puedo reseñar y reseñaré. Al menos, estos son los que me han gustado:

Prospectivas, la magnífica antología del cuento de ciencia ficción española actual editada por Salto de Página: Un volumen imprescindible para cualquier aficionado interesado en lo que se ha escrito estos últimos años en nuestro país. Os recomiendo especialmente las reseñas de Odo en Sense of Wonder y la de Juan Manuel Santiago en Lecturalia. Poco podre contribuir yo a sus aportaciones… pero lo intentaré. Para mi los puntos álgidos de la novela son suficientes como para justificar sobradamente la compra del volumen: no os podéis perder los cuentos de César Mallorquí, Rafa Marín, Julián Díez y Juan Jacinto Muñoz Rengel. Magistrales. En la reseña cuestionaré algunos puntos del prólogo de Fernando Ángel Moreno, eso sí.

Jagganath, de Karin Tidbeck: Descubrí este libro gracias a la reseña de Pedro en leemaslibros. De hecho, es uno de aquellos casos (son pocos) en los que compré el libro justo después de leer lo que Pedro tenía que decir de él y ¿sabéis qué? Tenía toda la razón. Es una antología pequeña con un contenido que la desborda. Varios de los relatos son nominables a los premios Hugo y… me costará elegir solo uno. Son cuentos que se resisten al camino fácil y beben de un folklore nórdico muy atractivo. Creo que en un episido de Los VerdHugos Josep María se refirió a ellos como pequeña fantasía rural. Es una etiqueta muy apropiada. Antología imprescindible.

Empire State, de Adam Christopher: Este es un libro curioso, una especie de fantasía o ciencia ficción urbana, no podría ser categórico, de universos paralelos con superhéroes. El tono es muy pulp, claustrofóbico, muy de novela negra, y aúnque a Manuel de los Reyes no acabó de convencerle, a mí me parece una lectura muy recomendable. No niego que tiene muchos tropiezos y que es mejor no detenerse mucho a examinar los detalles del argumento so pena de que la suspensión de la incredulidad que requiere colapse sobre si misma, pero es un debut notable que se lee con interés. El e-ARC de The Age Atomic, su secuela, me espera en el kindle por cortesía de NetGalley y por lo que he oído es bastante superior a la primera parte. Las dos deberían acabar con reseña por aquí.

The Bones of the Old Ones, de Howard Andrew Jones: Puro escapismo, una aventura en un entorno que recuerda a Las Mil y Una Noches a la que no le falta ni siquiera una alfombra voladora. Es la segunda entrega de las aventuras de Dabir y Asim, pero puede leerse sin problemas sin haber leído la primera entrega. Uno de los libros más entretenidos que he leído últimamente. La diversión se escribe así. Ya he comprado la primera parte y los relatos del mismo autor, de quien me declaro fan desde ya mismo. Os lo recomiendo mucho si queréis leer algo que no queme vuestras neuronas pero tampoco insulte vuestra inteligencia.

Mongoliad, el libro escrito a… un montón de manos… entre Neal Stephenson, Greg Bear, Mark Teppo, y otros autores o colaboradores de índole diversa. ¿Llegasteis a leer el artículo sobre la relación entre la novela histórica y la ciencia ficción de Javier Negrete y Juan Miguel Aguilera? Mongoliad no es ciencia ficción, lo que es es un magnífico ejemplo de como aplicar la sensibilidad (no estoy seguro de que esa sea la palabra) de la fantasía a la novela histórica. Los propios autores la clasifican de fantasía histórica y es una etiqueta que le va como anillo al dedo. En muchos sentidos está cerca de ser el trope codifier del subgénero, el ejemplo que consolida la manera de explicar determinado tipo de historia. Es un libro que también saldrá publicado este mes en la colección de RBA y sobre le que también tendré que escribir, y voy a tener mucho que decir sobre él. Forma parte de una serie, tiene un final que te deja totalmente colgado a la espera de la segunda entrega pero… como esta no va a tardar mucho, pues no es demasiado grave. Además el proceso de elaboración de la novela es muy interesante.  

Seguro que me estoy olvidando de libros, pero estos son los que más me urge reseñar. Y caramba, ya hacía días que el blog me miraba con malos ojos, se merecía un regalito.

El afortunado ganador del ejemplar de Luz de Estrellas Lejanas que aparece en la foto es… 5… 4… 3… 2… 1…

¡¡¡Jesús Lleonart!!!

El cuento que recomendó para poder participar en el concurso es Equipo de Ajuste, de Philip K. Dick, adaptada al cine con el título The Adjustment Bureau (reseñada en Literatura Prospectiva).

Una vez seleccionadas las entradas válidas, ha habido un total de 59 participantes, con recomendaciones de cuentos muy interesantes. En ese sentido Los Reyes de la Arena, de George RR Martin, es un triunfador absoluto. Parece adecuado. Próximamente haré una entrada dedicada al resto de cuentos.

Gracias a todos por participar y enhorabuena a Jesús Lleonart. ¡Me pondré en contacto contigo! Gracias también a Gigamesh por proporcionarme el ejemplar del libro a sortear.

¡Hasta el próximo concurso!

You can find the spanish version of the interview at the Literatura Fantastica RBA blog. There, you will also find the first chapter of the Spanish edition of the novel .

Ladies and gentlement, behold… Karen Lord!

Your novel has been published in a moment in which science fiction is increasingly paying attention to the work of writers with origins other than the United States and England. What are your views on this apparent trend to make of science fiction (and fantastic literature as a whole) a more internationally inclusive genre?

 You can find the spanish version of the interview at the Literatura Fantastica RBA blog. I also encourage you to read the introduction to the Spanish edition of the novel written by one of our main fantasists, Javier Negrete.

 I’m very happy to introduce… Cristopher Priest!

In 1976, Christopher Priest was a young author who had published three novels very well received by audiences and critics, and had just won the BSFA in 1974 with The Inverted World and suddenly dares with two of the most important works of the British literature, The Time Machine and The War of the Worlds, posing an unauthorized sequel linking both storylines, in a clear tribute to HG Wells. Viewed from 2013, was it a stroke of genius, a daring or a youthful folly?

I think it was more youthful folly than genius. I just had the idea that maybe the Martians had a point of view that Wells had not described, and that the only existing description of the invasion was Mr Wells’s book, which I treated as a journalistic account. But as I wrote the drafts I gained a real respect for Wells, and his skilful writing, so my book quickly became what I hoped would be recognized as homage to a great writer.

Which role plays The Space Machine in your literary career?

The three books that had preceded it were all in different ways serious novels, and I wanted to show that I could also write in a more light-hearted vein. For a long time, The Space Machine was my personal favourite amongst my novels, but as time went on and I wrote more books that did change. But I am still fond of it.

Why Wells and not another British author of his generation, or from the Golden Age of American science fiction, or Verne, to give some examples?

There is no one else to match Wells, in my opinion. He is not only an “early” writer of science fiction, he is still one of the best. The War of the Worlds and The Time Machine, in particular, do not look like period pieces. But as well as his SF, Wells was a major writer – social novels, political journalism, campaigning journalism, comedies, satires, etc. Anyway, from my point of view when I wrote The Space Machine, no one else had written those two classic novels, so it had to be Wells.

In Literatura Fantastica we have just published an omnibus edition of four major novels by Wells, The Time Machine, The War of the Worlds, The Invisible Man and The Island of Doctor Moreau, do you think that his work is still relevant today? And if the answer is yes, do you think The Space Machine is still interesting and can bring something to the modern reader?

Yes, I would say those are the four “best” SF novels by Wells, although you could add First Men in the Moon and perhaps In the Days of the Comet, plus many of his short stories. All of Wells’s early work is still of great interest to modern readers. With his later books you have to be a bit more selective, because he wrote a huge number of novels and some of those are a bit, well, out of date. But Kipps, Tono-Bungay, Ann Veronica, Christina Alberta’s Father and The Croquet Player are still excellent books by any standard.

As for The Space Machine – I don’t know. I hope readers will enjoy the plot, the relationship between the two main characters, the amusing events, and the various small insights into what Wells was writing about. One of the main motives for writing it was that there have been many dramatic adaptations of The War of the Worlds (from Orson Welles’s radio play in 1939 onwards), some good, some not so good, but they all have one thing in common: they have invariably “up-dated” the story. But this has always seemed to me to miss the unique pleasure of the novel: the vastly superior military technology of the Martians was fought by ordinary soldiers using rifles, artillery hauled by horses, communications using heliography, and all the general materiel of the 19th Century. There was real charm in that … so in one sense The Space Machine was a sort of dramatic adaptation set in the correct period.

Besides borrowing from the two storylines, The Space Machine is a conscious exercise to reproduce the literary style of the Victorian era, was it hard to imbibe the Victorian spirit?

I tried to write The Space Machine as a modern novel, not as an imitation of a past form, but within that modern ethos I wanted to try to re-create the mood, the environment, the comparative innocence of a past time. It was largely a question of choosing the characters and how they would behave, and the locations they would move about in, and the technology they would use … the vocabulary and style of the novel followed quite naturally from that.

Our edition of The Time Machine has a foreword by Javier Negrete which highlights the eroticism that distils the relationship between the two protagonists. Obviously this is a perfectly gentlemanly Victorian erotica, far from the current boom, but deep down, could we speak of this book as a “romance” and a “scientific novel”?

Oh yes! The subtitle of the English-language editions of The Space Machine was “a scientific romance”. This was Wells’s own description of his work at the time. I saw my novel as including a romance between two characters which a modern reader would enjoy, even though the characters would be properly restrained by the customs and social pressures of their time.

If now you had the idea for a similar tribute to HG Wells, would you write the same novel or it would be completely different?

I wouldn’t write The Space Machine again, or anything like it. I try to make all my books noticeably different from each other, and I wouldn’t want to “go back” to that sort of novel. However, my new novel, called in English The Adjacent, has a definite Wellsian theme, and explicit references to the great man: H. G. Wells himself. But what happens in the book is for the time being a secret!

Now a look at the immediate future, what are your next projects? Are you writing right now? Is there any prospect of your works adapted to film or television?

The Adjacent will be published in the UK in June 2013. I’m at present working on the next novel, which will probably be called The Mariners.

 My novel from 1984, The Glamour, is about to be filmed in the UK, directed by Gerald McMorrow, who a few years ago made a film called Franklyn. This film disappeared almost as soon as it came out, but it is easily one of the very best SF films made in Britain in the last 20 years. It is an amazing film, and starred Eva Green, Ryan Philippe, Susannah York, and others. Check it out on DVD if you can! After I saw Franklyn I made contact with Gerald, we became friends, and he decided he wanted to make The Glamour. We are hoping it will go into production this summer. I also have a stage play based on The Prestige, which is planned to open in the West End of London just before Christmas this year. (It is also being staged as a musical in Russia, but that is likely to be two years in the future.)

One last question: you have been very critical of the selection of the shortlist for the 2012 Arthur C. Clarke Award, which are your ideas about science fiction and literature in the last years?

The Arthur C. Clarke Award suffered from incompetent judging last year. I don’t know what the judging panel were thinking, but for some reason they ignored most of the genuinely interesting or ambitious novels published in 2011, and chose one decent novel (The Testament of Jessie Lamb by Jane Rogers, which in the end was the rightful winner), a mediocre novel from China Miéville (Embassytown), and four others of the most unimaginative and familiar kinds of traditional SF. There were many other novels that were better or more stimulating or just more adventurous in their subjects, but the judges seemed unaware of them. As I consider the Clarke Award to be one of the best and most reliable literary awards, one which has supported good or ambitious writing many times in the past, I felt the 2012 judges had failed horribly and embarrassingly. I said so in print, and got into trouble for doing so. But in the end I think it focused people’s minds on what modern SF should be doing, and how writers should be encouraged to try new or difficult material.

As for this year: some of the same judges are still there, so we can only HOPE for the best, but we should fear a return of their tame and conservative values. (There are a couple of new judges this year, so maybe they will improve things. Let’s hope so.) As for me – I have spent the last 12 months researching my next novel, so have not read any of this year’s SF books, and therefore have no plans to say anything about whatever happens …

¿Que que tenéis que hacer para optar al premio? Nada más fácil: comentad en esta entrada recomendando un cuento de literatura fantástica que os haya gustado especialmente y explicando el porqué de vuestra recomendación (y no vale decir que para participar en el sorteo, que os veo venir).

Normas del sorteo

• A cada participante le asignaré un número de orden.
• No se podrá participar con más de una entrada.
• El sorteo tendrá lugar el 15 de febrero a las 23.59h, momento en el que utilizaré el generador de números aleatorios de http://www.random.org/ para obtener el número ganador.
• La persona agraciada por la suerte será anunciada en este mismo blog y me pondré en contacto con ella para los detalles del envío.

¡Que la suerte os acompañe!

The New Weird – A Controversial Label

The New Weird is an odd trend among speculative fiction genres. As it’s often the case with subgenres -fortunately, if you ask me-, it’s almost impossible to come up with a perfect definition that allows the unambiguous classification of a given story. As I understand it, the concept of genre -and please, feel free to add as many subs- as you want- serves little purpose beyond that of allowing to group a set of aesthetic, thematic or formal concerns that may contribute, more or less deliberately, to the interpretation of a particular work in a context populated with several other works that, allegedly, share something with it. I agree with China Miéville when he states about genre that “a label is only a tool, and only as useful as its ability to generate debate and assist understanding”. When dogmatically adhered to, those values linked to the genre labels are damaging to a work in as much a degree as thoughtlessly is the author conforming to them. Nobody receives more help from labels than those in charge of arranging the shelves in the libraries or programming recommendation algorithms for online retailers. That is not to say that the concepts of genre and subgenre are meaningless, but that the unquestioned application of their parameters leads to the stagnation of the imagination and to the riskless conservatism so often observed in mainstream fantastika.

The New Weird has been charged, in fact, with a certain degree of vagueness and with claiming for itself peculiarities that were not really its invention nor belong exclusively to it. It’s advocates claim that its origins go back to pulp fiction authors such as H.P. Lovecraft and Clark Ashton Smith, while the consolidation of its aesthetic values owe much to Michael Moorcock’s New Worlds magazine, but even that has been called into question by its detractors. When M. John Harrison, who has himself been considered a New Weird author by other parties, posed his questions, controversy arose:

“The New Weird. Who does it? What is it? Is it even anything? Is it even New? Is it, as some think, not only a better slogan than The Next Wave, but also incalculably more fun to do? Should we just call it Pick’n'Mix instead?”

-M. John Harrison, April 29, 2003

While Tim Maughan discredited the genre in one fell swoop:

“The only problem with The Weird is that nobody actually knows what the fuck it is, apart from perhaps a handful of writers and critics who don’t want their more literary colleagues to think they like sci-fi.”

-Tim Maughan, July 30, 2012

What, then, is The New Weird according to its advocates? In the introduction to the anthology The New Weird, its coeditors Jeff and Ann Vandermeer proposed the following definition:

 ”Type of urban, secondary-world fiction that subverts the romanticized ideas about place found in traditional fantasy, largely by choosing realistic, complex real-world models as the jumping-off point for creation of settings that may combine elements of both science fiction and fantasy.”

-The New Weird, Tachyon Publications, 2008

Steph Swainton, author of The Year of the War, considered one of the main texts of the New Weird, answered Harrison’s questions by describing this subgenre as being “vivid”, “clever”, “eclectic”, “secular, and very politically informed”. More important, she declared that:

 “Its most important theme [is] detail. The details are jewel-bright, hallucinatory, carefully described…These details…are what makes New Weird worlds so much like ours, as recognizable and as well-described. It is visual, and every scene is packed with baroque detail”

- Steph Swainston, April 29, 2003

These definitions are sort of vague, indeed, but the truth is that when I think back to those few New Weird key novels I have read, like China Miéville’s Perdido Street Station, K.J. Bishop’s The Etched City or the aforementioned anthology The New Weird, I can’t help to perceive how they share a baroque aesthetic and some values that, in turn, are reflected at different levels, from the excessive nature of their texts to their twisted characters or an effort to distort scenarios and scenes that sometimes gets to oust the plot as key element of the narrative. Self-declared New Weird authors (very active in their defense of the subgenre) share a taste for the grotesque, provocation and a willingness to incite political or social reflection. That may not be new; it may not be weirder that a multitude of previous or contemporary works; it may be an unnecessary label (more so than others? More so than cyberpunk? Space opera? Zombie genre!?) as posturing as arrogant when claiming merits whose invention lays elsewhere. Be that as it may, it is hard to argue that behind the New Weird a real movement exists with a sufficiently grounded tradition as to unite around it a clique of authors with highly fertile imaginations who, challenged by the conventionalism of mainstream fantastika, are producing a body of work which would be a mistake to ignore. One of the last additions to this group comes from Barcelona, Spain: Tamara Romero and her novel Her Fingers.

Her Fingers, by Tamara Romero. A review

With its scant sixty pages, Her Fingers endeavors to stretch the constraints imposed by its brevity by densely packing so many good ideas as to pay tribute to the fertility of the imagination of its author. Such richness of imagination is both the main virtue and the main risk of the text, that manages not to drown in shallowness by adopting a non-linear approach to world building, a perfect control of its pace and a touch of social criticism that greatly benefit the novel. In the pages of Her Fingers metaphors abound dealing with gender issues, the disintegration of personality caused by drugs, a denunciation of state control over the individual and a warning of the risks of acritically accepting labels and giving up control over the own life. While its length hinders the ability of the novel of exploring in depth some of the questions it raises, which perhaps are excessive in number given its shortness. Romero, though, is successful in using the weird as an echo chamber that elicits situations that remind us of our world and increase the relevance of the text without the need to go into precise details, such as those adolescents hinted at in the novel that use cybernetic implants as a form of rebellion against their parents, who, in turn, pay for their tattoos in a hollow attempt to quell their wish for transgression. While several passages in Her Fingers can be read as a sort of manifesto of the New Weird or a defense of the love of the strange for its own sake, none of the elements in the narrative is gratuitous; all of them serving a story that tastes like a nightmare and leads to a dazzling awakening.

I would love to read a novel by Tamara Romero with more room to leisurely develop her ideas, her premises and her characters. Her Fingers works like a charm because her author manages to turn its brevity to virtue and has the skill to chose wise shortcuts to resolve her ambitious world building. I have no qualms about anything the story shows, but I long for all the things it doesn’t unfold. This book, incidentally, was originally written in Spanish and then translated to English by the author herself. I can’t help attributing some lack of fluidity to that, but it’s a really minor issue and it may rather be in the eye of this beholder than in the text itself.

This is a highly recommended novel and I strongly suspect that Her Fingers is not the last that we will hear from her.

[Tamara Romero was kind enough to send me a Review Copy of Her Finger. I thank her this opportunity to get acquainted with her work]